martes, 26 de noviembre de 2013

UNIDAD DIDÁCTICA: Conceptos básicos del lenguaje plástico y visual

EDAD/CICLO: 2º ciclo de Educación Primaria, concretamente 4º curso.

·         TEMPORALIZACIÓN
Nuestra unidad didáctica se va a desarrollar en 3 sesiones, de 50 minutos, en las que los alumnos trabajarán en el aula de plástica.

·         JUSTIFICACIÓN
El tema de nuestra unidad didáctica será el color y la composición. Nuestro objetivo es que los niños aprendan de forma activa las sensaciones que nos transmiten los colores y su distribución en el espacio. Así les enseñaremos los colores primarios y secundarios, la diferencia entre cálidos y fríos, como mezclarlos y los colores resultantes de estas mezclas. A continuación, les mostraremos cómo la disposición de los objetos coloreados transmite distintas sensaciones según su situación espacial.
Llevaremos a cabo los conceptos teóricos mediante una serie de actividades que pretendemos que sean motivadoras, interesantes y sobre todo divertidas de realizar por nuestros alumnos. Intentamos que los niños descubran y creen su propio concepto de belleza, mediante la distribución y el color.

·         OBJETIVO GENERAL:
2. Desarrollar la capacidad de observación y la sensibilidad para apreciar las cualidades estéticas y visuales del entorno.

·         OBJETIVOS ESPECÍFICOS:
-          Conocer y aplicar las distintas clases de colores según sus gustos o necesidades.
-          Apreciar las diferentes sensaciones que producen el color y la distribución de los objetos en el espacio.
-          Valorar y respetar las diferentes opiniones y expresiones artísticas de los demás.
-          Aprender a trabajar cooperativamente.

·         METODOLOGÍA
Durante la primera sesión y parte de la segunda trabajarán individualmente, descubriendo y afianzando por sí mismos los conceptos teóricos, para finalmente trabajar por grupos en la última actividad de la segunda sesión y en la última sesión.

·         EVALUACIÓN
El maestro evaluará a los alumnos a través de la observación directa a lo largo de todas las sesiones y de las actividades realizadas por ellos. También tomará en cuenta factores a evaluar tales como el comportamiento en clase, la actitud, la limpieza, el buen uso de los materiales, el respeto por los compañeros, etc.
Al final de esta unidad nuestros alumnos serán capaces de:
-          Conocer y distinguir los colores fríos-cálidos y los primarios-secundarios.
-          Apreciar las sensaciones que producen las diferentes gamas de colores.
-          Percibir la distinta distribución espacial de los objetos.
-          Aprender a mezclar los colores.

·         SESIONES

1ª SESIÓN
En esta sesión explicaremos a los niños las nociones de color, mezcla, colores fríos-cálidos y primarios-secundarios. (20 minutos)
En la segunda parte de la sesión proporcionaremos a cada alumno una paleta de pintor que ellos mismos habrán hecho en la sesión anterior con un cartón. En ella dibujarán con lápiz tantos círculos como colores primarios y secundarios consideren que hay. A continuación, con pintura de dedo cada niño pintará su paleta, situando los colores primarios a la izquierda y los secundarios a la derecha. Finalmente les daremos una ficha con 6 ilustraciones sencillas en las que pintarán las 3 superiores con colores primarios y las 3 inferiores con secundarios. (30 minutos)
Materiales utilizados en la sesión: paleta de pintor fabricada con cartón, lápiz, pintura de dedos y ficha con 6 imágenes.

2ª SESIÓN
En esta segunda sesión proporcionaremos a cada niño dos láminas. Una está dedicada al invierno y otra al verano. Tendrán que pintar la primera con colores fríos y la segunda con colores cálidos. (30 minutos)
Cuando acaben, los agruparemos en 5-6 grupos y les daremos a cada uno de ellos cuatro objetos cotidianos de clase para que los distribuyan como quieran y, posteriormente, los dibujen en una cartulina según las instrucciones del maestro. Entre ellos debatirán que tipos de composiciones son las que ha dictado el profesor y las anotarán en un cuaderno junto a una pequeña explicación en la que hagan constar qué les transmiten las mismas. (20 minutos)
Materiales utilizados en esta sesión: 2 láminas de paisajes (uno de invierno y otro de verano) por niño, objetos cotidianos, cartulinas, cuaderno y lápiz para tomar notas.

3ª SESIÓN
La última sesión estará dedicada a la aplicación de los conceptos anteriormente trabajados. Para ello, cada grupo dispondrá de un trozo de contrachapado (pané) con unas dimensiones de 60x70cm.
Primero cada grupo elegirá las dos composiciones que prefieran, de las trabajadas en la sesión anterior. Luego tendrán que dividir el pané en dos partes y dibujar dichas composiciones en grupo, utilizando pintura de dedos y los colores, mezclas y gamas que prefieran.
Finalmente, cada grupo expondrá su trabajo explicando el porqué de su elección de colores y distribución, también deberán ponerle un título. (50 minutos)
Materiales utilizados en esta última sesión: trozo de contrachapado de 60x70, pintura de dedos y 2 de las composiciones trabajadas por cada grupo.

COLOR Y COMPOSICIÓN

Collage "El rincón de Casuco" (El Hornillo, Águilas)

“El rincón de Casuco” es un jardín que se encuentra frente a la playa del Hornillo, en Águilas (Murcia). También se conoce este lugar como el “Rincón de Los Casucos”.

Este rincón representativo de la ciudad de Águilas está hecho con miles de azulejos de colores colocados formando un mosaico, recordándonos al estilo de Gaudí.

Su autor fue Juan Casuco y realizó esto en 1987.

  

UNA ESCALERA INFINITA QUE SUBE HASTA EL CIELO EN AUSTRALIA

viernes, 18 de octubre de 2013

El sistema educativo es anacrónico (Capítulo REDES Nº 87)

"La educación está reprimiendo los talentos y habilidades de muchos estudiantes; y está matando su motivación para aprender."
Ken Robinson

Los secretos de la creatividad (Capítulo REDES Nº 89)

La Inteligencia Creativa (Capítulo REDES 217)

El Ser Creativo

La Proporción Áurea | Documental Redes Eduard Punset

Las Reglas Ocultas Del Arte (Capítulo de REDES 237)

Hemos encontrado en la Web Oficial de Redes algunos vídeos relacionados con el arte, la creatividad, la inteligencia emocional y con la educación muy interesantes. A partir de ahora iremos colgando algunos de ellos.

miércoles, 16 de octubre de 2013

Tema 10. Departamentos de didáctica en instituciones culturales-artísticas.

¿Cómo hablar de arte a los niños?

En este libro Barbe (2009), pone de manifiesto la idea errónea que tenemos los adultos sobre la capacidad comprensivo-artística de los niños. Si un niño es capaz de interesarse por libros con imágenes, también será capaz de disfrutar de la pintura.
Como principales motores de su aprendizaje artístico deberemos tener en cuenta su interés y curiosidad, ajustándolo a lo que deberían apreciar según el momento dentro de su etapa educativa. Otro factor importante a tener en cuenta será el de disponer de un vocabulario suficiente, recomendando como inicio para esto los 5 años.
El autor también establece de manera indicativa 3 tramos de edad diferentes a la hora de considerar sus intereses y capacidades hacia el mundo de la pintura.
En el primer tramo (5-7 años): los niños sienten atracción hacia los colores vivos y cálidos, formas y colores definidos, imitación de texturas, composiciones simples, representaciones de personajes, objetos y lugares que le son familiares… pero sobre todo, aprecian los pequeños detalles. También hay que tener en cuenta la utilidad de las imágenes observadas para aumentar su interés, sus conocimientos, para el desarrollar su imaginación y tener muy en cuenta que debido a su corta edad y el cansancio que acarrea visitar museos, será preferible la creación de itinerarios pictóricos a través de los libros.
Entre los 8 y 10 años hay que tener en cuenta sus referentes visuales (personajes de videojuegos o series). Se sienten atraídos por obras muy coloristas y por figuras tópicas que representen lo bueno, lo malo, a héroes, a monstruos, el miedo, lo cómico, la vida en otras épocas en comparación con la actual… destacando la invitación a la aventura que evocan en ellos dichas imágenes. Es la mejor edad para comenzar las visitas a museos y talleres de pintura donde descubran la práctica artística.
En el último tramo (11-13 años), la calidad de las observaciones e intereses de los niños aumenta considerablemente y se preocupan por aspectos como la vida del autor, el porqué de su obra, la realización de la misma, la técnica usada, los símbolos que contiene, el coste de ésta y su comparación con otras obras. Los aspectos que habrá que tener en cuenta en esta edad son su cada vez menor disponibilidad, su tendencia a sacar conclusiones precipitadas sobre lo que ven, que algunos temas como los desnudos les incomodan y la utilización de la pintura por parte de los creativos comerciales, como referente  y recurso publicitario.
Como ejemplo de lo antes expuesto, el autor analiza desde el punto de vista infantil, diferentes obras pictóricas que van desde “La Anunciación” de Fra Angélico, “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli o “La Gioconda” de Leonardo da Vinci. Ante esta última los niños del primer tramo se harían preguntas como quién es esa señora o por qué los colores son tan oscuros; entre los 8 y 10 años, serían más detallistas y podrían hacerse preguntas como por qué tiene poco pelo o si era considerada guapa en su época, y para el intervalo entre 11 y 13 años, se interesarían por el éxito del cuadro, otras obras del autor, cómo era la vida en ese tiempo...
Por otro lado, Tamariz Sáenz (2002) propone una guía práctica para estudiar obras como “El Guernica” de Pablo Picasso, en la que el maestro debería preparar sesiones previas, durante y posteriores a la visita al museo para estudiar en profundidad una obra y el alumno tendría un papel activo en todo el proceso.

Tema 9. La imagen como recurso visual en la sociedad contemporánea.

En las ciudades vemos a diario cientos de imágenes publicitarias. Uno puede olvidar o recordar esos mensajes pero los capta por breves momentos, y durante un instante estimulan la imaginación.
Estas imágenes deben renovarse continuamente para estar al día, sin embargo nunca nos hablan del presente, a veces nos hablan del pasado y siempre del futuro. Estamos tan acostumbrados a ser los destinatarios de estas imágenes que apenas notamos su impacto total. Una persona puede notar una imagen concreta o cierta información porque corresponda a algo que les interese especialmente en ese momento, pero aceptamos el sistema global de imágenes publicitarias como aceptamos el clima.
Aprender a leer imágenes nos capacita tanto para disfrutarlas más profundamente como para controlar su potencia modeladora.
La publicidad es un agente activo de nuestra cultura. Utiliza signos basados en las señales naturales que después pasarán a ser culturizadas al formar parte del conjunto simbólico de la comunidad.
Normalmente se explica y justifica la publicidad como medio competitivo que beneficia en último término al público y a los fabricantes más eficientes y con ello a la economía nacional.
La publicidad se centra siempre en el futuro comprador, le ofrece una imagen de sí mismo que resulta fascinante gracias al producto o a la oportunidad que se está intentando vender, esta imagen hace que el envidie lo que podría llegar a ser. La publicidad se centra en las relaciones sociales, no en  los objetos, no promete el placer, sino la felicidad de que le envidien a uno.
Los publicitarios saben que el color o la forma son determinantes para que el comprador se decante por el producto. La ergonomía es una rama científica que investiga ese tipo de interrelaciones hombre-objeto.
La información visual acapara poco a poco el trazado cultural, y estructura nuestros hábitos, de lo perceptivo a lo ideológico.
¿Tiene el lenguaje de la publicidad algo en común con la pintura al oleo que dominó el modo de ver Europeo durante cuatro siglos, hasta la invención de la cámara?
En la publicidad hay muchas referencias directas a obras de arte del pasado. Cualquier obra de arte “citada” por la publicidad sirve para dos fines: Es un signo de opulencia, forma parte del mobiliario que el mundo atribuye al rico; y sugiere también una sabiduría que es superior a cualquier vulgar interés material, es un recuerdo de lo que significa ser un europeo culto.
La importancia está en los signos utilizados, que coinciden al relacionar la publicidad con las grandes obras de arte. Por ejemplo: en los gestos de las modelos o  los maniquíes y los de las figuras mitológicas; el uso romántico de la naturaleza; la ecuación, bebida = éxito; el caballero jinete se convierte en motorista…
¿Por qué depende tanto la publicidad del lenguaje visual de la pintura al oleo?
La publicidad es la cultura de la sociedad de consumo, y la pintura al oleo como forma de arte se inspiraba en el principio “eres lo que tienes”
Sin embargo a pesar de estas similitudes, la función de la publicidad es muy distinta de la función de la pintura al oleo. La pintura al oleo mostraba lo que su dueño estaba disfrutando ya, consolidaba el sentido de su propio valor. En cambio el propósito de la publicidad es que el espectador se sienta insatisfecho con su modo de vida presente, la publicidad le sugiere que si compra lo que se le ofrece, su vida mejorará.
Toda publicidad actúa sobre la ansiedad. Todo se cifra en el dinero, en hacer dinero para superar esa ansiedad. La ansiedad básica con la que juega la publicidad es el temor de que al no tener nada no eres nada.

Tema 8. Aportaciones de la educación artística al desarrollo humano y al currículum escolar.

En la mayoría de los casos los valores, y las prioridades de una cultura pueden discernirse por el modo en que se organiza el aprendizaje en las aulas sobre todo en clases de arte. Si actualmente entrásemos en una clase de arte en China por ejemplo, veremos a un grupo de niños inclinados sobre el pupitre intentando reproducir un esquema ya realizado de una obra de arte antigua y los estudiantes trabajaran con ahínco hasta que su versión se haga prácticamente indistinguible de las demás. Actualmente en las aulas existen pocas posibilidades (y poco deseo al parecer) de dar forma a obras de un estilo alternativo  y no hay rastro de dibujos abstractos. Todo lo contrario que si entrásemos en un aula de Estados Unidos donde desde que los niños llegan al aula por primera vez se le deja libertad para dibujar lo que ellos quieran y las clases de arte se enfocan más a que ellos puedan expresar sus sentimientos y sus ideas, si más adelante en estudios superiores se interesa por el arte ya se le empezarán a enseñar distintas técnicas de dibujo y pintura. Estos diferentes tipos de enseñanzas de artes son solo un ejemplo, en cada cultura existe un modelo diferente y parece que estas diferencias es más fácil que se dé en las clases de artes que en las de matemáticas o naturales, por ejemplo.

EL ESTUDIO DEL DESARROLLO HUMANO

En este apartado nos encontramos con multitud de autores como Freud y Piaget que se dedicaron por completo al estudio del desarrollo humano en sus primeros estadios sobre todo. Piaget no negaba la existencia de diferencias entre individuos o entre culturas, pero estaba decididamente interesado en aportar pruebas a favor de un modelo universal que se aplicara a cualquier humano del planeta, sin embargo no le daba mucha importancia a los problemas educativos. Aun así tiempo después muchos investigadores utilizaron los  estudios de Piaget para observar a los niños en el ámbito educativo.

PERSPECTIVA DE DESARROLLO EN LAS ARTES

Sería tan erróneo afirmar  que el desarrollo debe estudiarse exclusivamente desde la perspectiva del artista, como lo es sostener que solo vale la pena tomar en serio la competencia científica final.
Los investigadores orientados de un modo más conforme al desarrollo, han examinado principalmente tres aspectos de la competencia de los niños en las artes visuales: la percepción, la conceptualización y la producción. Estos estudios documentan que las facultades sensoriales y perceptivas de los niños se desarrollan mucho más rápidamente durante la infancia temprana. Pero aún así el desarrollo perceptivo de las artes visuales puede seguir desplegándose durante toda la vida.
Fuera del marco de la escuela, los individuos aprenden habilidades y cuerpos de conocimiento en contextos ricos y esencialmente “naturales” en los que la información es sumamente redundante y el feedback inmediato y muy apropiado. En cambio en el interior de la mayoría de los marcos escolares el acento recae directamente en el aprendizaje de la información separada del contexto donde se usa. Todo esto lo aplicamos a las enseñanzas de las artes teniendo en cuenta también como hemos dicho antes en cómo influye la cultura en las formas de enseñanza de las mismas.

lunes, 14 de octubre de 2013

Tema 7. Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/as (2).

Importancia de la edad de la pandilla:
De los 9 a los 12 años empieza a adquirir importancia la pandilla para los niños/as. Ellos descubren que son miembros de una sociedad de iguales, se dan cuenta de que trabajar en grupo en más potente que trabajar uno solo, por lo que se empiezan a crear las pandillas que suelen ser al principio del mismo sexo.
A partir de aquí, comienzan los conflictos con los deseos de los padres, ya que los niños van adquiriendo independencia social.

Características de los dibujos en la edad de la pandilla:
A estas edades podemos decir que los dibujos están más relacionados con la naturaleza, que el dibujo refleja lo que ellos ven y se empiezan a preocupar por los detalles. 
Además, los dibujos que realizan están relacionados con sus intereses.

Significado del color:
·         El color adquiere significado.
·        Lo utilizan en base a sus experiencias.
·         Poseen un mayor control para ver las diferencias y semejanzas entre colores.

Significado del espacio:
·         Empiezan a preocuparse por el espacio.
·         Van conectando los objetos de un mismo dibujo.
·         Descubren el plano y la expresión naturalista.

Significado del diseño:
·         Hay que estimular en ellos la percepción de la belleza de los materiales.
·         Necesidad de ir conectando el conocimiento de los materiales con el diseño de los mismos.

El desarrollo del niño en la edad de la pandilla:
·         Se van haciendo más críticos.
·         Desarrollan el sentido de la justicia.
·         Intensifican sus sentimientos (todo esto se ve reflejado en los dibujos).
·         Necesidad de apoyo en la utilización libre de la exageración para reflejar una emoción.

Los dibujos en la edad de la pandilla como reflejo del crecimiento:
·         Representan cómo ven ellos la realidad.
·         Todavía no han logrado un punto de vista objetivo.
·         Debemos promover e intentar desarrollar en los niños una mayor sensibilidad.

Motivación artística:
·         Hay que crear en la escuela situaciones gratificantes que dejen huella de manera positiva.
·         La motivación es fundamental para esto y afecta a la experiencia artística.
·         El profesor debe estimular a los niños a producir, aprender y explorar por ellos mismos. La motivación artística debe garantizar que los niños desarrollen su propio método de expresión.

El tema:
A estas edades, suelen centrarse en un tema concreto que les llame la atención, por lo que las diferencias entre sexos se ven reflejadas en los dibujos. Además, los intereses varían de una cultura a otra.
Observando los dibujos podemos realizar actividades en grupo que motiven a ambos sexos.
Todos los temas tienen sentido, además, en cada niño existe una temática dominante que debemos tener en cuenta.

Materiales artísticos:
Para que un material sea bueno debe satisfacer las necesidades infantiles y tiene que ayudar a mostrar sus intenciones. Deben otorgarle libertad al niño para que pueda expresar lo que siente y piensa.
Buenos materiales pueden ser: los papeles de colores, la arcilla, las témperas...
Además, hay que fomentar la visión de las distintas utilidades que puede tener un material, manipulándolos y explorándolos.

El arte favorece el desarrollo integral. 


Tema 6. Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/as (1).

IMPORTANCIA DE LA FASE ESQUEMÁTICA
Alrededor de los siete años y tras experimentar mucho, el niño entra en la fase esquemática. Ya tiene un símbolo satisfactorio para una persona y los objetos familiares, llamado esquema. Dicho esquema es individual de cada niño y es el resultado de su propio proceso mental, puesto que sus imágenes mentales de los objetos dependen de su forma de ver el mundo, sus emociones, experiencias o el comportamiento del objeto.
Un esquema puro en el dibujo de un niño ocurre cuando la representación que hace se refiere a un objeto concreto (un árbol, una casa…), pero si éste varía de forma intencionada, siempre representa algo muy relevante para el alumno. Esto es de especial importancia para el profesor.

CARACTERÍSTICAS DE LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS
Hacia los siete años, el dibujo de la figura humana debe ser un símbolo fácilmente reconocible que será más o menos detallado según el conocimiento que tenga el niño de las partes del cuerpo, aunque ya se observa que aparecen todas (ojos, boca, brazos, manos…), que hay ropa en lugar de tronco y que hay simetría para trazar el cuerpo. Este esquema normalmente son una serie de figuras geométricas que no tienen sentido si se ven por separado.
El niño toma conciencia del esquema espacial y lo expresa colocando todo en una línea básica que siempre identifica como el suelo y cuyo equivalente superior es el cielo. Esta línea es universal, forma parte del desarrollo infantil y muestra la relación entre el niño y el medio. La línea básica ya aparece en culturas primitivas para indicar movimiento (Egipto, Grecia, Hititas, Mayas…).
Puede usarse para simbolizar la base sobre la que están las cosas o para mostrar la superficie del paisaje (una montaña, un huerto…). A esta edad los niños se relacionan activamente con el medio y raramente dibujan algo que no esté referido directamente a la línea, aunque dibujen más de una.
A veces el niño debe desviarse de este esquema para representar el espacio de otro modo. Así, para mostrar la perspectiva usa técnicas como el plegado, que muestra imágenes que parecen estar boca abajo, o sitúa los objetos alrededor de un círculo asemejando una mesa.
Otras veces trata el exterior de los objetos como si fuera transparente (representaciones en rayos X) o representa secuencias temporales y espaciales para contar una historia dibujando varios episodios juntos.
Cualquier variación del esquema del niño es importante. Hay tres formas principales de variación: exageración de las partes, descuido u omisión de partes no importantes y cambio de símbolos para partes importantes. Los niños no son conscientes de dichas variaciones, que responden a su necesidad de representar lo que desean.
Color y diseño. El niño descubre que hay relación entre el color y el objeto y repite los mismos colores para los mismos objetos, estableciendo así relaciones concretas con el mundo que lo rodea.

EL DESARROLLO DEL NIÑO EN LA ESCUELA PRIMARIA
A esta edad está abandonando su actitud egocéntrica y procura desarrollar una actitud más cooperativa, relacionándose y entendiendo los sentimientos de los demás  y sintiéndose parte del medio. Así, su uso de la línea básica y su desarrollo cognitivo permiten que le sea más sencillo aprender a leer, puesto que existe una relación muy estrecha entre la capacidad lectora y la artística.

LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS COMO REFLEJO DEL DESARROLLO
Una muestra del desarrollo del intelecto infantil es su creciente percepción del mundo. Aprenderá más cuanta más información nueva tenga, gestionándola luego y adaptándola a su esquema personal. El conocimiento activo del niño muestra su concepto del mundo y lo expresa en sus dibujos.
Igualmente, se debe prestar atención a los sentimientos del alumno y la educación artística es el instrumento adecuado para ello, pues libera y gestiona las emociones del alumno de forma constructiva. También se puede observar el crecimiento social infantil mediante sus producciones artísticas. Hacia el fin de la fase esquemática los dibujos muestran una mayor percepción visual y los niños intentan que sus dibujos no seas ambiguos cuidando el detalle.

MOTIVACIÓN ARTÍSTICA
Es muy importante estimularlos en sus producciones artísticas en un ambiente flexible y abierto a las sugerencias y siempre de forma positiva para fomentar la creatividad.
Toda motivación debe tener una introducción, una culminación, un resumen y hacer que todos los niños se involucren personalmente. Esto hará que desarrollen unos esquemas más flexibles para una persona.

EL TEMA
El profesor debe mostrar temas interesantes para el alumno que potencien el uso flexible del esquema. Empezar con un nosotros, añadir la acción y luego el dónde son esenciales para desarrollar la experiencia del niño.
Es muy importante desarrollar un esquema formal flexible y funcional del tema, la forma y el color, sin enjuiciar nunca el contenido de las producciones del niño.

MATERIALES ARTÍSTICOS
Cualquier material elegido debe facilitar la expresión infantil y estar disponible para su uso escolar. Hay tres criterios para usar correctamente los materiales: presentar el material apropiado y dejar que el niño lo use libremente,  usar el mejor material específico para la modalidad elegida  y no abrumar con demasiado material.

La arcilla merece una mención especial al permitir un trabajo tridimensional y estimular así la mente. Hay dos métodos para trabarla: el método analítico (“quitar” lo que le sobra a la obra) y el método sintético (juntar piezas pequeñas para lograr un total).

jueves, 10 de octubre de 2013

6.Roberto Carlos Olmos Martin. La retórica visual

5.Laura Mencía Villacorta. La Composición

4.María Morata Sánchez Fortún. La Textura

3.Mercedes Bernal Gomaríz. La Iluminación

2.Bernabé Piñero Pastor. El color

1.Antonia Casales Martínez. El Tamaño y la Forma

Tema 5. Lenguaje plástico y visual: Conceptos básicos.

El lenguaje visual es el código específico de la comunicación visual, no tiene un significado cerrado (interpretaciones personales) y se maneja mediante dos grandes grupos de herramientas:
- De configuración: dan significado a los mensajes visuales y son el tamaño, la forma, el color, la iluminación y la textura
- De organización: ordenan y jerarquizan estos mensajes. Son la composición y la retórica visual.

HERRAMIENTAS DE CONFIGURACIÓN
·    TAMAÑO: Dimensiones físicas del objeto, que se selecciona en relación con el espectador (mayor o menor que éste) y que se elige mediante tres criterios:
1.      El impacto psicológico: relación física entre el objeto visual y el espectador. La parte mayor predominará sobre la pequeña, sea esta el objeto o el espectador.
2.      Efecto de notoriedad: el objeto supera el tamaño habitual, convirtiéndose así en un espectáculo.
3.      Criterio de comodidad, manejo o ubicación: el tamaño del objeto le viene asignado al creador de la imagen.
·    FORMA: Límites que delimitan el objeto visual. Se clasifica en orgánicas (irregulares y ondulantes. Propias del mundo natural) y artificiales (geométricas, regulares y rectas. Creadas por el hombre).
La forma se puede trabajar desde tres niveles:
1.      Forma del producto como objeto o formato: determina la forma y orientación del soporte. Para elegirlo se siguen tres criterios: adaptación al soporte, sentido de lectura y contenido simbólico.
2.      Forma del contenido del producto: configuración de los objetos representados dentro del producto visual.
3.      Forma del espacio que contiene el producto: Forma parte de su significado (ej. distribución de un supermercado)

EL COLOR
Los colores son grandes transmisores de información y significados que se dividen en colores-pigmento: se puede tocar la tinta que los soporta, se forman mediante la sustracción y sus primarios son cian, amarillo y magenta (el negro es la suma de todos) y colores-luz: no se pueden tocar, aparecen en un televisión, en un ordenador..., formándose mediante la suma de sus colores primarios que son rojo, verde y azul. La suma de todos el blanco.
Fotógrafos y directores de cine trabajan con colores-luz, pintores y decoradores con colores-pigmento. Se manipulan de manera distinta y nunca coinciden.
Para transmitir un mensaje a través del color se hace uso de los conceptos de luminosidad (colores luminosos y oscuros: simbolismo y significado diferente), saturación o desaturación según su lejanía o cercanía al gris (rojo-saturado: fácilmente perceptible y transmite fuerza) y temperatura (colores cálidos-cercanía o fríos-lejanía).
Para transmitir significados concretos se utilizan criterios de contenido simbólico que varían según el contexto (rojo: violencia, negro: muerte), el calendario comercial (moda y temporada), el contraste visual, identificación con la marca (rojo-coca cola) y la adecuación al destinatario.

LA ILUMINACIÓN
La iluminación transmite significado desde dos niveles.
-          Tipo de iluminación para el contenido intrínseco del objeto.
-          Tipo de luz para iluminar un objeto desde el exterior.
Los criterios de selección del tipo de iluminación se reducen a 4:
1.      Tipo de fuente:
Natural; sol, velas, quinqués y otras fuentes de llama. Se relaciona con la naturaleza y el exterior.
 Artificial; interior y urbano.
2.      Claves altas: son propias de imágenes con mucha cantidad de luz y transmite seguridad.
Claves bajas: imágenes con poca cantidad de luz.
3.      Temperatura :
Calientes: la luz anaranjada transmite sensaciones de protección y ambiente relajado.
Fríos: tonos azulados de luces eléctricas; transmite soledad.
4.      Orientación:
Derecha-izquierda; transmite negatividad.
Izquierda-derecha; transmite positividad, el foco de luz a favor de lectura.
Arriba-abajo; forma natural del sol, caída en picado, se percibe como positivo.

LA TEXTURA
Se denomina textura al material que se elige como soporte y a la materia de la que está constituido un producto visual.
Diferenciamos tres tipos de sistemas de representación de la textura:
-          Textura real. La información del objeto visual que percibimos coincide con la del tacto. Se usa con imágenes tridimensionales.
 -          Textura simulada o visual. La información que recibe la vista es diferente a la del tacto. En este caso, la textura no tiene ninguna cualidad táctil real, sólo posee cualidades ópticas. Se usa en imágenes bidimensionales.
-          Textura ficticia. Es la que engaña al receptor haciéndole creer que el producto visual es de una calidad, siendo de otra. Se usa mucho en la imagen comercial para hacer ficticios (objetos decorativos que parecen de madera u otro material, pero son sintéticos)
La importancia de la textura reside en su valor connotativo, en la capacidad para contar cosas a través del significado simbólico que poseen los materiales, reales o simulados.

HERRAMIENTAS DE ORGANIZACIÓN
 LA COMPOSICIÓN
Para construir una imagen, el último paso es  la ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio que abarca el soporte. Esta ordenación sigue un sistema jerárquico preestablecido y transmite un significado.
Componer una imagen consiste en ordenar las herramientas en función del mensaje a transmitir, de manera que cada elemento encaje con todos para alcanzar un conjunto.
Para generar significado con este sistema podemos utilizar diversos recursos que generarán una:
·         Composición reposada: recursos constantes, simétricos, rectos, centrípetos, completos y centrados.
·         Composición dinámica: recursos inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.

LA RETÓRICA VISUAL
Usos en los campos oral, escrito y visual:
Se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Se define como el sistema empleado para transmitir un sentido distinto del propio de un concepto, existiendo entre el sentido distinto y el propio alguna conexión, correspondencia o semejanza. Lo verdaderamente importante de la retórica visual es que es la sintaxis del discurso connotativo, la forma de organizar los significados de los elementos de una representación visual.
FIGURAS BÁSICAS DE LA RETÓRICA VISUAL.

La retórica visual tiene múltiples tropos o figuras retóricas que se reducen a trece clasificados en cuatro grupos bien diferenciados.

SUSTITUCIÓN
COMPARACIÓN
ADJUNCIÓN
SUPRESIÓN
Metáfora
Oposición
Repetición
Elipsis
Alegoría
Paralelismo
Epanadiplosis

Metonimia
Gradación
Hipérbole

Calambur

Préstamo

Prosopopeya