"La educación está reprimiendo los talentos y habilidades de muchos estudiantes; y está matando su motivación para aprender."
Ken Robinson
Grupo 5
viernes, 18 de octubre de 2013
Las Reglas Ocultas Del Arte (Capítulo de REDES 237)
Hemos encontrado en la Web Oficial de Redes algunos vídeos relacionados con el arte, la creatividad, la inteligencia emocional y con la educación muy interesantes. A partir de ahora iremos colgando algunos de ellos.
miércoles, 16 de octubre de 2013
Tema 10. Departamentos de didáctica en instituciones culturales-artísticas.
¿Cómo hablar de arte a los niños?
En este libro Barbe
(2009), pone de manifiesto la idea errónea que tenemos los adultos sobre la
capacidad comprensivo-artística de los niños. Si un niño es capaz de
interesarse por libros con imágenes, también será capaz de disfrutar de la
pintura.
Como principales
motores de su aprendizaje artístico deberemos tener en cuenta su interés y
curiosidad, ajustándolo a lo que deberían apreciar según el momento dentro de
su etapa educativa. Otro factor importante a tener en cuenta será el de
disponer de un vocabulario suficiente, recomendando como inicio para esto los 5
años.
El autor también
establece de manera indicativa 3 tramos de edad diferentes a la hora de considerar
sus intereses y capacidades hacia el mundo de la pintura.
En el primer tramo (5-7
años): los niños sienten atracción hacia los colores vivos y cálidos,
formas y colores definidos, imitación de texturas, composiciones simples, representaciones
de personajes, objetos y lugares que le son familiares… pero sobre todo,
aprecian los pequeños detalles. También hay que tener en cuenta la utilidad de
las imágenes observadas para aumentar su interés, sus conocimientos, para el
desarrollar su imaginación y tener muy en cuenta que debido a su corta edad y el
cansancio que acarrea visitar museos, será preferible la creación de
itinerarios pictóricos a través de los libros.
Entre los 8 y 10 años
hay que tener en cuenta sus referentes visuales (personajes de videojuegos o
series). Se sienten atraídos por obras muy coloristas y por figuras tópicas que
representen lo bueno, lo malo, a héroes, a monstruos, el miedo, lo cómico, la
vida en otras épocas en comparación con la actual… destacando la invitación a
la aventura que evocan en ellos dichas imágenes. Es la mejor edad para comenzar
las visitas a museos y talleres de pintura donde descubran la práctica
artística.
En el último tramo (11-13
años), la calidad de las observaciones e intereses de los niños aumenta
considerablemente y se preocupan por aspectos como la vida del autor, el porqué
de su obra, la realización de la misma, la técnica usada, los símbolos que
contiene, el coste de ésta y su comparación con otras obras. Los aspectos que
habrá que tener en cuenta en esta edad son su cada vez menor disponibilidad, su
tendencia a sacar conclusiones precipitadas sobre lo que ven, que algunos temas
como los desnudos les incomodan y la utilización de la pintura por parte de los
creativos comerciales, como referente y
recurso publicitario.
Como ejemplo de lo antes
expuesto, el autor analiza desde el punto de vista infantil, diferentes obras
pictóricas que van desde “La Anunciación” de Fra Angélico, “El nacimiento de
Venus” de Sandro Botticelli o “La Gioconda” de Leonardo da Vinci. Ante esta
última los niños del primer tramo se harían preguntas como quién es esa señora
o por qué los colores son tan oscuros; entre los 8 y 10 años, serían más
detallistas y podrían hacerse preguntas como por qué tiene poco pelo o si era
considerada guapa en su época, y para el intervalo entre 11 y 13 años, se
interesarían por el éxito del cuadro, otras obras del autor, cómo era la vida
en ese tiempo...
Por otro lado, Tamariz
Sáenz (2002) propone una guía práctica para estudiar obras como “El Guernica”
de Pablo Picasso, en la que el maestro debería preparar sesiones previas,
durante y posteriores a la visita al museo para estudiar en profundidad una
obra y el alumno tendría un papel activo en todo el proceso.
Tema 9. La imagen como recurso visual en la sociedad contemporánea.
En las ciudades vemos a
diario cientos de imágenes publicitarias. Uno puede olvidar o recordar esos
mensajes pero los capta por breves momentos, y durante un instante estimulan la
imaginación.
Estas imágenes deben
renovarse continuamente para estar al día, sin embargo nunca nos hablan del
presente, a veces nos hablan del pasado y siempre del futuro. Estamos tan
acostumbrados a ser los destinatarios de estas imágenes que apenas notamos su
impacto total. Una persona puede notar una imagen concreta o cierta información
porque corresponda a algo que les interese especialmente en ese momento, pero
aceptamos el sistema global de imágenes publicitarias como aceptamos el clima.
Aprender a leer
imágenes nos capacita tanto para disfrutarlas más profundamente como para
controlar su potencia modeladora.
La publicidad es un
agente activo de nuestra cultura. Utiliza signos basados en las señales
naturales que después pasarán a ser culturizadas al formar parte del conjunto
simbólico de la comunidad.
Normalmente se explica
y justifica la publicidad como medio competitivo que beneficia en último
término al público y a los fabricantes más eficientes y con ello a la economía
nacional.
La publicidad se centra
siempre en el futuro comprador, le ofrece una imagen de sí mismo que resulta
fascinante gracias al producto o a la oportunidad que se está intentando
vender, esta imagen hace que el envidie lo que podría llegar a ser. La
publicidad se centra en las relaciones sociales, no en los objetos, no promete el placer, sino la
felicidad de que le envidien a uno.
Los publicitarios saben
que el color o la forma son determinantes para que el comprador se decante por
el producto. La ergonomía es una rama científica que investiga ese tipo de
interrelaciones hombre-objeto.
La información visual
acapara poco a poco el trazado cultural, y estructura nuestros hábitos, de lo
perceptivo a lo ideológico.
¿Tiene el lenguaje de
la publicidad algo en común con la pintura al oleo que dominó el modo de ver
Europeo durante cuatro siglos, hasta la invención de la cámara?
En la publicidad hay
muchas referencias directas a obras de arte del pasado. Cualquier obra de arte
“citada” por la publicidad sirve para dos fines: Es un signo de opulencia, forma
parte del mobiliario que el mundo atribuye al rico; y sugiere también una
sabiduría que es superior a cualquier vulgar interés material, es un recuerdo
de lo que significa ser un europeo culto.
La importancia está en
los signos utilizados, que coinciden al relacionar la publicidad con las
grandes obras de arte. Por ejemplo: en los gestos de las modelos o los maniquíes y los de las figuras
mitológicas; el uso romántico de la naturaleza; la ecuación, bebida = éxito; el
caballero jinete se convierte en motorista…
¿Por qué depende tanto
la publicidad del lenguaje visual de la pintura al oleo?
La publicidad es la
cultura de la sociedad de consumo, y la pintura al oleo como forma de arte se
inspiraba en el principio “eres lo que tienes”
Sin embargo a pesar de
estas similitudes, la función de la publicidad es muy distinta de la función de
la pintura al oleo. La pintura al oleo mostraba lo que su dueño estaba
disfrutando ya, consolidaba el sentido de su propio valor. En cambio el
propósito de la publicidad es que el espectador se sienta insatisfecho con su
modo de vida presente, la publicidad le sugiere que si compra lo que se le
ofrece, su vida mejorará.
Toda publicidad actúa
sobre la ansiedad. Todo se cifra en el dinero, en hacer dinero para superar esa
ansiedad. La ansiedad básica con la que juega la publicidad es el temor de que
al no tener nada no eres nada.
Tema 8. Aportaciones de la educación artística al desarrollo humano y al currículum escolar.
En la mayoría de los
casos los valores, y las prioridades de una cultura pueden discernirse por el
modo en que se organiza el aprendizaje en las aulas sobre todo en clases de
arte. Si actualmente entrásemos en una clase de arte en China por ejemplo,
veremos a un grupo de niños inclinados sobre el pupitre intentando reproducir
un esquema ya realizado de una obra de arte antigua y los estudiantes
trabajaran con ahínco hasta que su versión se haga prácticamente indistinguible
de las demás. Actualmente en las aulas existen pocas posibilidades (y poco
deseo al parecer) de dar forma a obras de un estilo alternativo y no hay rastro de dibujos abstractos. Todo
lo contrario que si entrásemos en un aula de Estados Unidos donde desde que los
niños llegan al aula por primera vez se le deja libertad para dibujar lo que
ellos quieran y las clases de arte se enfocan más a que ellos puedan expresar
sus sentimientos y sus ideas, si más adelante en estudios superiores se
interesa por el arte ya se le empezarán a enseñar distintas técnicas de dibujo
y pintura. Estos diferentes tipos de enseñanzas de artes son solo un ejemplo,
en cada cultura existe un modelo diferente y parece que estas diferencias es más
fácil que se dé en las clases de artes que en las de matemáticas o naturales,
por ejemplo.
EL ESTUDIO DEL
DESARROLLO HUMANO
En este apartado nos
encontramos con multitud de autores como Freud y Piaget que se dedicaron por
completo al estudio del desarrollo humano en sus primeros estadios sobre todo.
Piaget no negaba la existencia de diferencias entre individuos o entre
culturas, pero estaba decididamente interesado en aportar pruebas a favor de un
modelo universal que se aplicara a cualquier humano del planeta, sin embargo no
le daba mucha importancia a los problemas educativos. Aun así tiempo después
muchos investigadores utilizaron los
estudios de Piaget para observar a los niños en el ámbito educativo.
PERSPECTIVA DE
DESARROLLO EN LAS ARTES
Sería tan erróneo
afirmar que el desarrollo debe
estudiarse exclusivamente desde la perspectiva del artista, como lo es sostener
que solo vale la pena tomar en serio la competencia científica final.
Los investigadores
orientados de un modo más conforme al desarrollo, han examinado principalmente
tres aspectos de la competencia de los niños en las artes visuales: la
percepción, la conceptualización y la producción. Estos estudios documentan que
las facultades sensoriales y perceptivas de los niños se desarrollan mucho más
rápidamente durante la infancia temprana. Pero aún así el desarrollo perceptivo
de las artes visuales puede seguir desplegándose durante toda la vida.
Fuera del marco de la
escuela, los individuos aprenden habilidades y cuerpos de conocimiento en contextos
ricos y esencialmente “naturales” en los que la información es sumamente
redundante y el feedback inmediato y muy apropiado. En cambio en el interior de
la mayoría de los marcos escolares el acento recae directamente en el
aprendizaje de la información separada del contexto donde se usa. Todo esto lo
aplicamos a las enseñanzas de las artes teniendo en cuenta también como hemos
dicho antes en cómo influye la cultura en las formas de enseñanza de las
mismas.
lunes, 14 de octubre de 2013
Tema 7. Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/as (2).
Importancia de la edad de la pandilla:
De los 9 a los 12 años empieza a adquirir importancia
la pandilla para los niños/as. Ellos descubren que son miembros de una sociedad
de iguales, se dan cuenta de que trabajar en grupo en más potente que
trabajar uno solo, por lo que se empiezan a crear las pandillas que suelen ser
al principio del mismo sexo.
A partir de aquí, comienzan los conflictos con los
deseos de los padres, ya que los niños van adquiriendo independencia social.
Características de los dibujos en la edad de la
pandilla:
A estas edades podemos decir que los dibujos están más
relacionados con la naturaleza, que el dibujo refleja lo que ellos ven y se
empiezan a preocupar por los detalles.
Además, los dibujos que realizan están relacionados
con sus intereses.
Significado
del color:
·
El color adquiere significado.
· Lo utilizan en base a sus experiencias.
·
Poseen un mayor control para ver las diferencias y
semejanzas entre colores.
Significado
del espacio:
·
Empiezan a preocuparse por el espacio.
·
Van conectando los objetos de un mismo dibujo.
·
Descubren el plano y la expresión naturalista.
Significado
del diseño:
·
Hay que estimular en ellos la percepción de la belleza
de los materiales.
·
Necesidad de ir conectando el conocimiento de los
materiales con el diseño de los mismos.
El desarrollo del niño en la edad de la pandilla:
·
Se van haciendo más críticos.
·
Desarrollan el sentido de la justicia.
·
Intensifican sus sentimientos (todo esto se ve
reflejado en los dibujos).
·
Necesidad de apoyo en la utilización libre de la
exageración para reflejar una emoción.
Los dibujos en la edad de la pandilla como reflejo del
crecimiento:
·
Representan cómo ven ellos la realidad.
·
Todavía no han logrado un punto de vista objetivo.
·
Debemos promover e intentar desarrollar en los niños
una mayor sensibilidad.
Motivación artística:
·
Hay que crear en la escuela situaciones gratificantes
que dejen huella de manera positiva.
·
La motivación es fundamental para esto y afecta a la
experiencia artística.
·
El profesor debe estimular a los niños a producir,
aprender y explorar por ellos mismos. La motivación artística debe garantizar
que los niños desarrollen su propio método de expresión.
El tema:
A estas edades, suelen centrarse en un tema concreto
que les llame la atención, por lo que las diferencias entre sexos se ven
reflejadas en los dibujos. Además, los intereses varían de una cultura a otra.
Observando los dibujos podemos realizar actividades en
grupo que motiven a ambos sexos.
Todos los temas tienen sentido, además, en cada niño
existe una temática dominante que debemos tener en cuenta.
Materiales artísticos:
Para que un material sea bueno debe satisfacer las
necesidades infantiles y tiene que ayudar a mostrar sus intenciones. Deben
otorgarle libertad al niño para que pueda expresar lo que siente y piensa.
Buenos materiales pueden ser: los papeles de colores,
la arcilla, las témperas...
Además, hay que fomentar la visión de las distintas
utilidades que puede tener un material, manipulándolos y explorándolos.
El arte favorece el desarrollo integral.
Tema 6. Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/as (1).
IMPORTANCIA DE LA FASE ESQUEMÁTICA
Alrededor de los siete años y tras experimentar
mucho, el niño entra en la fase esquemática. Ya tiene un símbolo satisfactorio
para una persona y los objetos familiares, llamado esquema. Dicho esquema es individual de cada niño y es el resultado
de su propio proceso mental, puesto que sus imágenes mentales de los objetos dependen
de su forma de ver el mundo, sus emociones, experiencias o el comportamiento del
objeto.
Un esquema
puro en el dibujo de un niño ocurre cuando la representación que hace se
refiere a un objeto concreto (un árbol, una casa…), pero si éste varía de forma
intencionada, siempre representa algo muy relevante para el alumno. Esto es de
especial importancia para el profesor.
CARACTERÍSTICAS DE LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS
Hacia los siete años, el dibujo de la figura
humana debe ser un símbolo fácilmente reconocible que será más o menos
detallado según el conocimiento que tenga el niño de las partes del cuerpo,
aunque ya se observa que aparecen todas (ojos, boca, brazos, manos…), que hay
ropa en lugar de tronco y que hay simetría para trazar el cuerpo. Este esquema
normalmente son una serie de figuras geométricas que no tienen sentido si se
ven por separado.
El niño toma conciencia del esquema espacial
y lo expresa colocando todo en una línea
básica que siempre identifica como el suelo y cuyo equivalente superior es
el cielo. Esta línea es universal, forma parte del desarrollo infantil y muestra
la relación entre el niño y el medio. La línea básica ya aparece en culturas
primitivas para indicar movimiento (Egipto, Grecia, Hititas, Mayas…).
Puede usarse para simbolizar la base sobre la que
están las cosas o para mostrar la superficie del paisaje (una montaña, un
huerto…). A esta edad los niños se relacionan activamente con el medio y
raramente dibujan algo que no esté referido directamente a la línea, aunque
dibujen más de una.
A veces el niño debe desviarse de este esquema para
representar el espacio de otro modo. Así, para mostrar la perspectiva usa
técnicas como el plegado, que muestra imágenes que parecen estar boca abajo, o
sitúa los objetos alrededor de un círculo asemejando una mesa.
Otras veces trata el exterior de los objetos como si
fuera transparente (representaciones en rayos X) o representa
secuencias temporales y espaciales para contar una historia dibujando
varios episodios juntos.
Cualquier variación del esquema del niño es
importante. Hay tres formas principales de variación: exageración de las
partes, descuido u omisión de partes no importantes y cambio de símbolos para
partes importantes. Los niños no son conscientes de dichas variaciones, que
responden a su necesidad de representar lo que desean.
Color y diseño. El niño descubre que hay relación entre el color y
el objeto y repite los mismos colores para los mismos objetos, estableciendo
así relaciones concretas con el mundo que lo rodea.
A esta edad está abandonando su actitud egocéntrica
y procura desarrollar una actitud más cooperativa, relacionándose y entendiendo
los sentimientos de los demás y
sintiéndose parte del medio. Así, su uso de la línea básica y su desarrollo
cognitivo permiten que le sea más sencillo aprender a leer, puesto que existe
una relación muy estrecha entre la capacidad lectora y la artística.
LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS COMO REFLEJO DEL DESARROLLO
Una muestra del desarrollo del intelecto infantil es
su creciente percepción del mundo. Aprenderá más cuanta más información nueva
tenga, gestionándola luego y adaptándola a su esquema personal. El conocimiento
activo del niño muestra su concepto del mundo y lo expresa en sus dibujos.
Igualmente, se debe prestar atención a los sentimientos
del alumno y la educación artística es el instrumento adecuado para ello, pues
libera y gestiona las emociones del alumno de forma constructiva. También se
puede observar el crecimiento social infantil mediante sus producciones
artísticas. Hacia el fin de la fase esquemática los dibujos muestran una mayor percepción
visual y los niños intentan que sus dibujos no seas ambiguos cuidando el
detalle.
MOTIVACIÓN ARTÍSTICA
Es muy importante estimularlos en sus producciones
artísticas en un ambiente flexible y abierto a las sugerencias y siempre de
forma positiva para fomentar la creatividad.
Toda motivación debe tener una introducción, una
culminación, un resumen y hacer que todos los niños se involucren personalmente.
Esto hará que desarrollen unos esquemas más flexibles para una persona.
EL TEMA
El profesor debe mostrar temas interesantes para el
alumno que potencien el uso flexible del esquema. Empezar con un nosotros, añadir la acción y luego el dónde
son esenciales para desarrollar la experiencia del niño.
Es muy importante desarrollar un esquema formal
flexible y funcional del tema, la forma y el color, sin enjuiciar nunca el
contenido de las producciones del niño.
MATERIALES ARTÍSTICOS
Cualquier material elegido debe facilitar la
expresión infantil y estar disponible para su uso escolar. Hay tres criterios
para usar correctamente los materiales: presentar el material apropiado y dejar
que el niño lo use libremente, usar el
mejor material específico para la modalidad elegida y no abrumar con demasiado material.
La arcilla merece una mención especial al permitir
un trabajo tridimensional y estimular así la mente. Hay dos métodos para
trabarla: el método analítico (“quitar” lo que le sobra a la obra) y el método
sintético (juntar piezas pequeñas para lograr un total).
jueves, 10 de octubre de 2013
Tema 5. Lenguaje plástico y visual: Conceptos básicos.
El lenguaje visual es el código específico de la
comunicación visual, no tiene un significado cerrado (interpretaciones
personales) y se maneja mediante dos grandes grupos de herramientas:
- De configuración: dan significado a los mensajes visuales y son el
tamaño, la forma, el color, la iluminación y la textura.
- De organización: ordenan y jerarquizan estos mensajes. Son la
composición y la retórica visual.
HERRAMIENTAS
DE CONFIGURACIÓN
·
TAMAÑO: Dimensiones físicas del objeto, que se selecciona en
relación con el espectador (mayor o menor que éste) y que se elige mediante
tres criterios:
1.
El impacto psicológico: relación física entre el objeto visual y el
espectador. La parte mayor predominará sobre la pequeña, sea esta el objeto o
el espectador.
2.
Efecto de notoriedad: el objeto supera el tamaño habitual, convirtiéndose
así en un espectáculo.
3.
Criterio de comodidad, manejo o ubicación: el tamaño del objeto le viene asignado al creador
de la imagen.
·
FORMA: Límites que delimitan el objeto visual. Se clasifica
en orgánicas (irregulares y
ondulantes. Propias del mundo natural) y artificiales
(geométricas, regulares y rectas. Creadas por el hombre).
La forma se puede trabajar
desde tres niveles:
1.
Forma del producto como objeto o formato: determina la forma y orientación del soporte. Para
elegirlo se siguen tres criterios: adaptación al soporte, sentido de lectura y
contenido simbólico.
2.
Forma del contenido del producto: configuración de los objetos representados dentro
del producto visual.
3.
Forma del espacio que contiene el producto: Forma parte de su significado (ej. distribución de
un supermercado)
EL COLOR
Los
colores son grandes transmisores de información y significados que se dividen
en colores-pigmento: se puede tocar
la tinta que los soporta, se forman mediante la sustracción y sus primarios son
cian, amarillo y magenta (el negro es la suma de todos) y colores-luz: no se pueden tocar, aparecen en un televisión, en un
ordenador..., formándose mediante la suma de sus colores primarios que son
rojo, verde y azul. La suma de todos el blanco.
Fotógrafos
y directores de cine trabajan con colores-luz, pintores y decoradores con
colores-pigmento. Se manipulan de manera distinta y nunca coinciden.
Para
transmitir un mensaje a través del color se hace uso de los conceptos de luminosidad
(colores luminosos y oscuros: simbolismo y significado diferente), saturación
o desaturación según su lejanía o cercanía al gris (rojo-saturado:
fácilmente perceptible y transmite fuerza) y temperatura (colores
cálidos-cercanía o fríos-lejanía).
Para
transmitir significados concretos se utilizan criterios de contenido simbólico
que varían según el contexto (rojo: violencia, negro: muerte), el calendario
comercial (moda y temporada), el contraste visual, identificación con la marca
(rojo-coca cola) y la adecuación al destinatario.
LA ILUMINACIÓN
La
iluminación transmite significado desde dos niveles.
-
Tipo de iluminación para el contenido
intrínseco del objeto.
-
Tipo de luz para iluminar un objeto
desde el exterior.
Los
criterios de selección del tipo de iluminación se reducen a 4:
1.
Tipo
de fuente:
Natural;
sol, velas, quinqués y otras fuentes de llama. Se relaciona con la naturaleza y
el exterior.
Artificial; interior y
urbano.
2.
Claves
altas: son propias de imágenes con mucha cantidad de luz y
transmite seguridad.
Claves bajas:
imágenes con poca cantidad de luz.
3.
Temperatura
:
Calientes:
la luz anaranjada transmite sensaciones de protección y ambiente relajado.
Fríos:
tonos azulados de luces eléctricas; transmite soledad.
4.
Orientación:
Derecha-izquierda;
transmite negatividad.
Izquierda-derecha;
transmite positividad, el foco de luz a favor de lectura.
Arriba-abajo;
forma natural del sol, caída en picado, se percibe como positivo.
LA TEXTURA
Se
denomina textura al material que se
elige como soporte y a la materia de la que está constituido un producto
visual.
Diferenciamos
tres tipos de sistemas de representación de la textura:
-
Textura real. La información
del objeto visual que percibimos coincide con la del tacto. Se usa con imágenes
tridimensionales.
-
Textura simulada o visual. La información
que recibe la vista es diferente a la del tacto. En este caso, la textura no
tiene ninguna cualidad táctil real, sólo posee cualidades ópticas. Se usa en imágenes
bidimensionales.
-
Textura ficticia. Es la que
engaña al receptor haciéndole creer que el producto visual es de una calidad, siendo
de otra. Se usa mucho en la imagen comercial para hacer ficticios (objetos decorativos que parecen de madera u otro
material, pero son sintéticos)
La
importancia de la textura reside en su valor connotativo, en la capacidad para
contar cosas a través del significado simbólico que poseen los materiales,
reales o simulados.
HERRAMIENTAS DE ORGANIZACIÓN
LA
COMPOSICIÓN
Para
construir una imagen, el último paso es la ordenación de las herramientas del lenguaje
visual dentro del espacio que abarca el soporte. Esta ordenación sigue un
sistema jerárquico preestablecido y transmite un significado.
Componer
una imagen consiste en ordenar las herramientas en función del mensaje a
transmitir, de manera que cada elemento encaje con todos para alcanzar un
conjunto.
Para
generar significado con este sistema podemos utilizar diversos recursos
que generarán una:
·
Composición
reposada: recursos constantes, simétricos, rectos,
centrípetos, completos y centrados.
·
Composición
dinámica: recursos inconstantes, asimétricos, oblicuos,
centrífugos, incompletos y descentrados.
LA RETÓRICA VISUAL
Usos en los campos oral,
escrito y visual:
Se
utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del
producto visual. Se define como el sistema empleado para transmitir un sentido distinto
del propio de un concepto, existiendo entre el sentido distinto y el propio
alguna conexión, correspondencia o semejanza. Lo
verdaderamente importante de la retórica visual es que es la sintaxis del discurso
connotativo, la forma de organizar los significados de los elementos de
una representación visual.
FIGURAS BÁSICAS DE LA RETÓRICA
VISUAL.
La
retórica visual tiene múltiples tropos o figuras retóricas
que se reducen a trece clasificados en cuatro grupos bien diferenciados.
|
SUSTITUCIÓN
|
COMPARACIÓN
|
ADJUNCIÓN
|
SUPRESIÓN
|
|
Metáfora
|
Oposición
|
Repetición
|
Elipsis
|
|
Alegoría
|
Paralelismo
|
Epanadiplosis
|
|
|
Metonimia
|
Gradación
|
Hipérbole
|
|
|
Calambur
|
|
Préstamo
|
|
|
Prosopopeya
|
|
|
|
martes, 8 de octubre de 2013
Tema 4. La personalidad creativa.
Decimos que algo es
creativo cuando es distinto, probablemente nuevo o innovador. Sin embargo, no
todo lo que es novedoso es creativo.
Según Eisner, la forma
y el contenido de una obra de arte compone los puntos en que se puede mostrar
la creatividad. Los cuatro tipos de conducta creadora son:
1.- La conducta que no
acepta límites, se define como la extensión de los temas y formas comunes de la
obra de arte por medio de nuevas combinaciones y una elaboración diferente.
2.- La conducta
inventiva se refiere a la creación de temas o formas nuevas.
3.- La conducta que
supera los límites se define como la elaboración de temas y formas totalmente
nuevos, creándolos en forma total o revisando las premisas que fueron la base
de otros temas.
4.- La conducta
organizadora estética se refiere al ordenamiento de formas específicas para
constituir un todo coherente, armonioso y equilibrado.
¿Qué rasgos tiene la
persona creativa?
El siguiente cuadro
muestra una selección de características definidas por Csikszentmihalyi (1998).
Aunque son rasgos en apariencia opuestos, de la relación dialéctica entre ellos
surgen los comportamientos de perfil más creativo.
|
Nº
|
Rasgo
|
Rasgo Opuesto
|
|
1
|
Gran
energía física, trabajo concentrado, activo y continuado. Hiperactividad.
|
Largos
períodos de silencio, reposo, concentración y aparente inactividad.
|
|
2
|
Alto
nivel intelectual y racional (pensamiento convergente).
|
Ingenuidad
y apertura mental (pensamiento divergente).
|
|
3
|
Disciplina,
rigor y constancia.
|
Espíritu
lúdico, aire irresponsable.
|
|
4
|
Sentido
de la realidad, no vivir en las nubes.
|
Gran
imaginación y capacidad de elaborar fantasías.
|
|
5
|
Extroversión,
deseo de hablar con otras personas, conocer ideas.
|
Introversión,
deseo de soledad.
|
|
6
|
Tradicionalista,
conservador, conocedor a fondo del tema que se trata.
|
Rebelde,
iconoclasta, disposición a correr riesgos.
|
|
7
|
Orgulloso,
apasionado, disfruta de lo que hace.
|
Humildes,
objetivos y fríos, y sufren en su actividad.
|
Podemos resumir las
características de una persona creativa diciendo que es:
- Una persona flexible,
adaptable a las novedades, sin juicios radicales, con una amplia visión del
mundo y viendo los cambios y novedades como una oportunidad.
- Una persona original
y perfeccionista, con disciplina, constancia, pasión, y con propuestas
creativas elaboradas.
- Una persona
inteligente con capacidad analítica y sintética a la vez.
- Una persona que sabe
comunicar a los demás lo que crea.
Aplicación de la creatividad
en el mundo educativo
La creatividad del
profesorado repercute positivamente en el alumnado y en el funcionamiento del
centro.
Un centro que posea una
gestión y una dinámica creativa, irá aumentando poco a poco su nivel de
creatividad.
Para aplicar la
creatividad en un centro no nos bastan las técnicas creativas. Después de
aplicar la técnica tenemos que validar las posibilidades reales y prácticas
para su aplicación en la propuesta educativa. Para ello separamos los momentos
del proceso en dos: el momento creativo
y el momento de evaluación. Primero
aplicamos la técnica creativa sin limitación alguna y utilizando todas las
posibilidades que tengamos, después, examinamos las ventajas e inconvenientes
de esta propuesta creativa y vemos si es posible ponerla en práctica y hasta
qué punto.
También debemos tener
en cuenta que el mundo educativo tiene muchas normas, leyes, protocolos,
programas, itinerarios, etc., lo que nos limita la creatividad. Es necesario
tener esto presente a la hora de aplicar la creatividad en el centro.
Diseños de programas y currículos educativos
Utilizando la creatividad podemos adaptar los currículos
oficiales a nuestras necesidades y desarrollar los aspectos que creamos mejores
para nuestro alumnado.
Diseño de actividades de clase
El currículo limita bastante al profesorado, pero cuando
hablamos del diseño de actividades de clase los únicos limites existentes son
el tiempo y los medios.
Diseño de métodos de evaluación
La creatividad en la evaluación debe combinar nuevas
propuestas que sirvan para evaluar el trabajo del alumnado.
Diseño de actividades extraescolares
Las actividades extraescolares son un espacio perfecto
para desarrollar la creatividad. La ventaja más importante es que está muy poco
normativizado, por lo que es muy libre.
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